Firenze 2020
El 4º Curso de Verano Musical LMFL
en el Conservatorio Luigi Cherubini de Florencia
- Llegada Doningo 9 de Augosto 2020.
- Inicio del curso 10 de Augosto 2020.
- Salida 21 de agosto 2020
Un curso especializado Impartido por profesores de fama mundial para alumnos de Nivel Avanzado o profesionales.
1 Un edificio de Administración Central, en el centro de la Piazza delle Belle Arti 2 50122 en la parte antigua de la ciudad
2 Y un segundo edificio, Villa Favard, donde se llevan a cabo la enseñanza y los conciertos en Rovezzano, en el noreste de la zona de Florencia que es al que tiene que ir
La dirección de la entrada principal de este segundo edificio es a través Via Rocca Tedalda 451, el autobús número 14 se detiene justo enfrente.
La estación de tren Rovezzano se encuentra a poca distancia
La entrada trasera es a través de Aretina, Rovezzano Florencia.
Al reservar un alojamiento, favor de tenerlo en cuenta
Hace mucho calor en agosto, no desean un viaje largo para venir a Villa Favard
Introducción del curso
Lmfl ha elegido a Florencia (Italia) para su Segundo curso de verano 2017.
El curso se llevará a cabo bajo el auspicio del Conservatorio Luigi Cherubin en la Villa Favard di Rovezzano la cual es la parte más antigua del Conservatorio, en medio de un mágico parque botánico con rosas y árboles de cedro.
La Villa Favard di Rovezzano cuenta con una gran cantidad de estudios de piano (incluyendo pianos de cola) muchos estudios de música y una sala de conciertos.
Florencia Florencia es la capital de la región italiana de Toscana y cuna del Renacimiento. Es hogar para obras maestras de arte y arquitectura y ha sido el corazón de mucha de nuestra tradición musical occidental. Fue aquí donde se reunió la Camerata Florentina a mediados del siglo XVI y experimentó musicalizando y llevando a escena relatos de la mitología griega – en otras palabras, las primeras operas, poniendo el mecanismo en movimiento no sólo para el futuro desarrollo de la forma operática, sino para posteriores desarrollos de formas “clásicas” separadas como la sinfonía.
Este parece ser el ambiente ideal para nuestro curso donde podemos disfrutar trabajar en medio de belleza, serenidad y elegancia.
Matrícula para Instrumental y Vocal
Matrícula para Instrumental y Vocal
Las clases instrumentales y de voz son impartidas por excepcionales maestros y artistas de renombre internacional.
Ofrecemos música como una mejora en la preparación de jóvenes ya profesionales o futuros profesionales (nivel mínimo Grado 8 (Inglés) / Certificado de Ejecutante)
Preparamos a los instrumentistas jóvenes para las audiciones de ingreso a las Escuelas de Superiores de Música (Royal College of Music, Royal Academy, Guildhall, Trinity Laban) o Conservatorios Superiores de Música.
Tenga en cuenta que para los que no hablan inglés y desean ingresar al Royal College of Music, Royal Academy, Guildhall o Trinity Laban, es necesario adquirir un nivel aceptable de inglés hablado. Ofrecemos este tipo de asesoría durante el curso, así como francés, italiano y alemán para los estudiantes de Ópera.
Coro del Curso de Verano con William Godfree:
El Coro es una de las principales características de la Escuela de Verano y la mayoría de la gente que asistirá querrá tomar parte en él. La mayoría de nuestros maestros instrumentales también se apresuran a unirse. La membresía está abierta a todos sin audición.
Taller Vocal de Jazz dirigido por Letizia Morelli
Instrucción en Música de Cámara con el Profesor Daniel Grosgurin: La Escuela de Verano ofrece un amplio programa de música de cámara y cámara de viento.
Nueva característica: una página interactiva en vivo está abierta para que los estudiantes registrados puedan publicar sus propuestas o unirse a artistas intérpretes o ejecutantes ya interesados
Una vez registrado, le enviaremos una contraseña para abrir la página y usarla.
Diversos ensambles tocan juntos informal y formalmente. La instrucción se encuentra disponible para ejecutantes de todos los niveles en grupos preformados o informales. La disponibilidad de capacitadores profesionales y asociados de música de cámara ofrece a los aficionados la oportunidad de ser capacitados y también de tocar con los profesionales en algunas sesiones.
Orquesta de Cuerdas conducida por el Profesor Richard Crabtree.
La Orquesta será dirigida por el Profesor Tomas Tulacek
Taller de Ópera conducido por el Maestro Leonardo De Lisi
El ingreso es selectivo y requerimos recibir una grabación en video
Clases Magistrales
Impartidas por artistas líderes, las clases magistrales son generalmente para el estudiante avanzado o músico profesional que deseen llevar a cabo un estudio intensivo. El ingreso es limitado y selectivo.
Al final del curso, los estudiantes y profesores darán tres conciertos públicos. Por lo tanto se pide a los participantes traer traje de concierto con ellos, camisa blanca, corbata de moño negra, y pantalón negro o falda o vestido de código nacional y zapatos decentes.
Los conciertos son públicos y grabados.
La singularidad y la seriedad de nuestro curso de música provienen de la certeza de que cada participante se beneficiará de 10 (o 20) sesiones uno a uno con el profesor de su elección. La intensidad de la carga de trabajo propuesta es bastante especial: además de las sesiones individuales de tutoría diaria, los grupos de música de cámara se forman a la llegada y cada estudiante participa en un grupo. El trabajo orquestal consta de diez sesiones de una hora.
El Coro, la Orquesta, el Ensamble de Cuerdas, los Grupos de Música de Cámara y la Ópera se llevan a cabo diariamente.
Habrá un día libre en medio del curso.
Taller de Ópera en Firenze
Opera Workshop
LYRIC PROGRAMME
“ALL ABOUT ORPHEUS”
An operatic pastiche (form baroque to jazz) with arias, songs and scenes from the following operas:
PERI – Euridice (1600)
MONTEVERDI – L’Orfeo (1607)
ROSSI – Orfeo (1647)
GLUCK – Orfeo ed Euridice (1762)
HAYDN – L’anima del filosofo (1791)
SCHUBERT – Orpheus (Lied, 1821)
OFFENBACH – Orphée aux Enfers (1858)
VAUGHAN WILLIAMS – Orpheus with his lute (art song, 1912)
DE MORAES – Orfeu negro (1957)
and others
Voices required:
sopranos (both light and lyric), mezzos or contraltos, tenors, baritones, jazz singers (both males and female voices)
El estudio del canto clásico en la infancia y durante la pubertad
La razón de esta importante observación fue entonces investigada cuidadosamente utilizando la ciencia médica del siglo XX (fonología) para explicar por qué los años sensibles de transformación de músculos y cartílagos de la laringe son particularmente vulnerables a daños serios (a veces irreparables) cuando se someten a esfuerzo antinatural.
El uso de técnicas típicas de canto operístico, de hecho, permite a la voz humana desarrollar habilidades realmente extraordinarias. Esto se puede comparar con el uso de técnicas de entrenamiento deportivo que pueden llevar a los atletas a romper récords.
Sin embargo, al igual que en los deportes se puede comenzar a entrenar a los niños y adolescentes a convertirse en atletas olímpicos adultos, lo mismo sucede con la educación de las voces jóvenes. PERO sólo puede hacerse siguiendo un proceso muy preciso y gradual de transformación de la voz de la de un niño a la de un adulto SIN esfuerzo o fuerza innecesaria.
Debe quedar claro que un niño de 9-12 años que canta un aria de ópera e intenta imitar la voz de un adulto es como un niño de la misma edad que compite en una pista, un salto de longitud o un evento de natación contra adultos, usando ritmos y sistemas que No encajan con las características físicas del crecimiento a esa edad. Incluso si un niño o un joven en la pubertad puede cantar un aria de ópera durante unos minutos (por ejemplo, Oh, mi querido Padre, de Gianni Schicchi de Puccini) y parece que emite sonidos como un soprano profesional, los esfuerzos resultantes de la presión que los músculos abdominales necesitan ejercer, las muchas respiraciones que se toman incluso en el medio de las palabras, las fluctuaciones irregulares de vibrato, etc., son todos signos de fatiga vocal. Esto resultará más tarde en la pérdida de la agilidad de la voz que necesita para desarrollar las herramientas profesionales de un cantante de ópera.
Las hazañas de algunos niños en los programas de talentos en televisión hacen creer a los padres que niños sin habilidades musicales u operísticas sí las poseen, porque los niños cantan en la televisión con amplificación a través de un micrófono. ¡En el teatro, los profesionales reales no utilizan un micrófono cuando cantan ópera! Y cantar en la ópera no significa simplemente cantar un aria famosa, sino que significa cantar en un complejo, y a menudo actuaciones de 3-4 horas de duración, donde hay duetos, tríos, recitativos, arias, declamación, coros, etc.
Por lo tanto, el profesor de canto que impone técnicas operísticas a un niño de 9 a 12 años de edad, e incluso a adolescentes de 13 a 15 años que aún no han completado los cambios en sus voces, aunque estén dotados, está cometiendo un grave error. A los 20 años, el niño o la niña habrán perdido la naturalidad y la agilidad vocal que sirven para construir la verdadera voz de un profesional. Será frustrante y doloroso tener que corregir fallas mayores después de creer inicialmente que un niño es un prodigio. De hecho, en casos como estos, los muchachos suelen renunciar a cantar ópera porque han perdido la confianza en sí mismos y su autoestima.
Mi consejo después de más de 20 años de experiencia en el conservatorio de Italia es este: cuando un niño muestra mucho talento musical y vocal, motivar el estudio de un instrumento (idealmente el piano que también desarrolla el sentido de la armonía), que canten en coros con voces agudas hasta los 12 años, y que tome lecciones de canto de un maestro que comience con un repertorio fácil y adecuado, como las antiguas arias de música de cámara o canciones folclóricas. Entre las edades de 12 y 15 sea suave en el canto hasta que la voz haya mutado, y siga estudiando piano y teoría musical.
Las niñas de 14-15 años de edad y los niños de 16-17 años deben comenzar a desarrollar lentamente su técnica vocal operística mientras están atentos a cómo la «nueva» voz reacciona al estrés de un entrenamiento más intenso.
Cualquier maestro cantante que no respete este enfoque es incompetente y peligroso, sólo interesado en hacer dinero fácil de las ilusiones de los niños y sus familias, que persiguen una breve y fugaz celebridad. El joven artista será psicológicamente dañado.
Leonardo De Lisi
Conducción y Composición
Clase de Dirección de Orquesta: Matthias Dulak
La clase de dirección de orquesta dirigida por M Dulack se organiza en dos grupos :
Nivel 1
Principiantes sin ninguna experiencia de dirección, a los que el curso da la oportunidad de aprender las técnicas de base de dirección. Estos estudiantes no dirigirán en el concierto de final de curso.
Nivel 2
Estudiantes con buenas nociones de dirección que quieren perfeccionarse.
Estos estudiantes deberán obtener el repertorio de la orquesta antes de venir al curso. Tendrán la posibilidad de ensayar con la orquesta y solamente algunos de estos estudiantes se seleccionarán para dirigir algunas de las partes del concierto final de curso.
Se realizarán actas y discusiones después de cada sesión orquestal.
Handel: ballet music from Alcina
Grieg : Holberg suite
Bloch : Concerto Grosso
Stravinsky: The Soldiers Tale
Clases de composición
Las clases de composición se dividen en dos secciones : una clase individual de una hora cada dos días y un seminario en inglés cada dos días. El contenido de las clases individuales variará según el nivel del estudiante y se dirigirá a crear una nueva composición durante el curso, de la que se dará una actuación en el concierto final, si hay los músicos adecuados y tiempo suficiente. Se estudiarán diversas técnicas de composición según las preferencias estéticas de cada alumno desde la harmonía tonal tradicional hasta la expresión musical más complicada. Los alumnos aprenderán como usar el software para escribir música, sobre todo el software de notación Sibelius.
Los seminarios tratarán bastante detalladamente las influenicas más importantes sobre la música contemporánea incluso:
El Nacionalismo
El desarrollo por parte de los compositores del siglo 19 de un estilo musical que expresaba las características de su propio país. Lo consiguieron utilizando las melodías de la música folklórica de su propio país que incluían como base de sus composiciones junto con escenas de su historia, y sus leyendas y cuentos folklóricos. Los gobiernos de los comienzos del siglo 20 fomentaron este nacionalismo por fines propagandísticos en tiempos de guerra y tension política. Los compositores de música nacionalista incluyen Jean Sibelius, Edvard Grieg, Antonin Dvorak Carl Nielsen, Zoltán Kodály, Aaron Copland, Edward Elgar, Dmitri Shostakovich, y Stephen Foster.
Como implica su nombre, el Neoclasicismo fue una clase de ‘clasicismo nuevo’. Combinó elementos musicales del periodo clásico con tendencies más recientes que surgían en los comienzos del siglo 20. Los elementos clásicos incluían centros tonales, una claridad de forma y forma melódica. A estos elementos clásicos (entre muchos otros) los neoclasicistas añadieron muchos toques modernos tal como rítmos originales, sonidos disonantes, y el uso de muchas escalas cromáticas.
El movimiento neoclásico fue bastante extendido, al cual contribuyeron muchos compositores de por toda Europa y los Estados Unidos. Algunos de los compositores neo clasicistas más conocidos son Igor Stravinsky, Paul Hindemith, Dmitri Shostakovich, Sergei Prokofiev, y Aaron Copland, por mencionar a unos pocos. La motivación del neoclasicismo fue sencilla: la experimentación intensiva de los comienzos del siglo había dejado a muchos compositores con el deseo de “reconectar” con la tradición musical. Esto lo hicieron mientras a la vez guardar ciertos aspectos musicales que habían desarollado durante el periodo moderno. El objetivo no fue restablecer los antiguos estilos musicales sino simplemente reconocer la tradición.
Mientras el neoclasicismo fue una reacción contra el periodo caótico de entre 1910 y 1920, también lo fue el método nuevo dodecafónico de Arnold Schoenberg. Los dos pretendieron imponer una estructura a la música hasta ahora desenfrenada del siglo 20. La diferencia es que el método dodecafónico lo consiguió por crear un lenguaje musical totalmente nuevo mientras el neoclasicismo lo hizo por reenfocar el patrimonio musical probado y conocido.
Un movimiento francés de los finales del siglo 19 y comienzos del siglo 20. Lo inició Debussy como reacción a la emotividad de la música romántica, sobre todo la de Wagner. Reflejando las escuelas impresionistas de la pintura y literatura francesa, Debussy desarrolló un estilo en el que el ambiente y atmósfera reemplazan sentimientos fuertes o la narrativa en la música. Utilizó nuevas combinaciones de cuerdas, cuerdas con un intervalo de un solo tono, lo cromático, y ritmos y escalas exóticos. En lugar de la progresión normal de la harmonía, desarrolló un estilo en el que las cuerdas se valoran por su sonoridad individual en lugar de por la relación entre ellas y las disonancias no tienen ni preparación ni resolución. Aunque concebido como reacción al romanticismo, el impresionismo musical aparece hoy en día como la culminación del romanticismo. Su influencia fue extendido y está evidente en la música de Ravel, Dukas, Respighi, Albéniz, de Falla, Delius, C. T. Griffes, y J. A. Carpenter.
Dodecafonía es un sistema de composición musical creado por Arnold Schoenberg. Josef Matthias Hauer también desarrolló un sistema similar que utiliza las “hexacuerdas” sin orden, or tropos, justo al mismo tiempo y en el mismo país pero sin conexión con Schoenberg. Schoenberg mismo describió el sistema como un “método de componer con 12 notas que tienen relación sólo con ellas mismas.” Schoenberg inventó las técnicas dodecafónicas, que es un método de composición basado sobre una orden fija de las doce tonos cromáticos (Benward, 303). Es un sistema en el que las doce clases de tono se ponen en una orden específica para formar un conjunto que se convierte en implemento composicional. (Sadie, 286). Se desarrolló alrededor de 1920 como medio de proporcionar una basis para la música cromática completa.
La dificultad fundamental para componer en lenguaje atonal es conseguir un control inteligente de las fuerzas melódicas y harmonicas. “Hay maneras de aprovechar esta fuerzas por medios contrapuntales y harmónicas parecidos a los utilizados al principio del desarrollo de la polifonía occidental” (Marquis, 185). Sin embargo, estas maneras son mucho más complejas que la polifonía occidental tradicional. Por lo tanto, Schoenberg inventó el sistema matriz para ayudar la composición.
Jazz
Minimalismo
En la música, el movimiento minimalista fue, como el arte minimalista, una reacción a una forma de composición moda entonces que llevó a muchos compositores a rechazar muchas de las complejidades secas e intelectuales y la estirilidad emocional de “serial music” y otras formas modernas. En general, las composiciones minimalistas tienen tendencia a poner énfasis en una línea melódica y una progresión harmónica sencillas, a hacer hincapié en modelos repetitivos y rítmicos y a reducir las referencias históricas o expresivas. El uso de los instrumentos electrónicos es también común en la música minimalista, como son las influencias de Asia y Africa. Entre los compositores minimalistas destacados son Philip Glass, Steve Reich, Terry Riley, La Monte Young, y John Adams.
El análisis musical y escuchar música formarán también aspectos importantes del curso, y servirán de estimular debate e animar a los alumnos a crear su propia obra.
Matrícula de Idiomas
Hacer un curso de música y aprender inglés eran opciones que solían excluirse mutuamente. ¡Ya no!
Nuestros cursos reúnen músicos de todas las nacionalidades. La diversidad de idiomas que se oye todos los días, los intercambios de palabras que surgen de la partcipación en la música facilitan el aprendizaje de un idioma y proporcionan una motivación: la de compartir la pasión que se tiene en común – la música, hacer música juntos y hablar juntos sobre la música.
Ofrecemos clases de alta calidad en inglés intensivo impartidas por profesores de Inglés, Francés, Francés, Alemán, italiano como Lengua Extranjera
Para los estudiantes de habla inglesa ofrecemos la oportunidad de aprender o mejorar su dominio del francés, el alemán, el español, el mandarin, el ruso o el italiano como Lengua Extranjera.
Estas clases las imparten también profesores especializados, todos de los quienes son nativos del idioma impartido .
Los alumnos tienen la opción de dar clases en grupos reducidos o de tener clases individuales, según las necesidades de cada uno.
Los grupos son de 4 a 6 alumnos.
El curso básico, que consta de una, dos, tres o cinco sesiones de una hora al día, tiene como propósito ayudar a desarrollar la aptitud para comunicarse, profundizar el conocimiento de la gramática y enriquecer el vocabulario del estudiante utilizando material didáctico apropiado según el nivel y las necesidades del individuo.
Los cursos incluyen una introducción a la cultura británica contemporánea, sistemas políticos, sociales y educativos.
Linguistic Director – Dr. Alan D. Moller
Director de Lengua: Dr Alan D Moller MA (Cambridge), PGCE (Londres), Dip App Ling (Edinburgh), Dr Alan Moller es un lingüista británico destacado, especializado en las pruebas de nivel usadas por todo el mundo para evaluar el nivel de inglés.
En su trabajo en el British Council, fue el responable del Departamento de Enseñanza de Inglés que se dedicaba entre otras tareas a la inspección de las academias de inglés por todo el mundo para poder otorgarles el certificado de reconocimiento del British Council
Alan trabajó en África, Singapur y Malasia y fue Agregado Cultural en el Alto Comisionado británico de New Delhi donde se hizo responsable de organizar la exposición de Henry Moore.
Alan es ahora el Consejero Delegado (inglés como segunda lengua) y viaja por Asia como asesor de las pruebas de lengua.
Alan es Director de IATQuO.
Carga de Trabajo
Vida Social
Ubicación Firenze
Conservatorio Luigi Cherubini : Villa Favard di Rovezzano
Alojamiento
Sin embargo, sabemos que nuestros adultos más jóvenes provenientes de todo el mundo pueden tener dificultades para identificar el lugar correcto y el precio adecuado y tal vez deseen estar en el mismo lugar.
Para nuestros estudiantes más jóvenes, que regresan.
Para los estudiantes que regresan a LMFL menores de 18 años y hasta 25, 7 dormitorios compartidos en una casa privada supervisada (5 minutos a pie de Villa Favard). Esto será solo para estudiantes aprobados, por lo que necesitará sus datos de registro LMFL para hacer una reserva.
Las habitaciones con aire acondicionado son compartidas (2 o 3 camas) con sus propios cuartos de baño. Desayuno incluido
Esto no incluye otras comidas.
El costo del alojamiento tendrá que ser resuelto en el momento del registro.
Otro nuevo lugar interesante que hemos identificado para los estudiantes que tienen un presupuesto bajo – muy cerca de Villa Favard de Rovezzano (5 minutos a pie) un nuevo sitio para acampar donde se puede ir con su tienda de campaña, una casa móvil o alquilar un chalet o un bungalow con su presupuesto en mente.
Este campamento tiene un animado bar / restaurante y un par de fantásticas y grandes piscinas.
Si bien es muy nuevo, ya es muy popular y la reserva debe hacerse con meses de antelación.
Aquí está el enlace: Camping Village Firenze
Los almuerzos y cenas también se pueden tomar en David2 (pizzas, pastas y ensaladas a un precio muy razonable), a 2 minutos a pie de Villa Favard y en el parque del conservatorio
Visas
Solicitud Firenze
Si está listo para solicitar – puede encontrar los detalles y formularios que necesita para solicitar el pre-curso y curso principal (tres semanas) o sólo el curso principal (dos semanas). Favor de leer también los Términos y Condiciones de Solicitud antes de llenar su formulario.
